エマヌエル・バッハの音楽は彼の生存時になぜうけいれられたのか?

ChatGPT4o にききました: 「エマヌエル・バッハが現在でもあまりうけいれられないのだとすると，逆に彼の生存時にひろくうけいれられていたのはどうしてなのでしょうか?」

エマヌエル・バッハが 18世紀には広く受け入れられた のに対し，現在ではそれほど広く受け入れられていない のは，時代ごとの 音楽の聴き方 や 期待されるスタイル の違いが大きく関係していると考えられます．以下のような要因が影響していたと考えられます．

1. 18世紀の聴衆が求めていたもの

エマヌエル・バッハの音楽は，生存当時の聴衆の「新しい音楽の趣味」に合致していた

18世紀中盤，多感様式 (Empfindsamer Stil) は，当時のヨーロッパ音楽の主流の一つであり，感情の細かい変化や予測不能な表現 が求められました．
これは ロココ時代のサロン文化 や 啓蒙思想による感情表現の重視 といった社会的背景と結びついていました．
エマヌエル・バッハの音楽は，劇的な対比，突発的な転調，予測しづらい旋律を特徴としており，まさに 「即興的で感情に訴えかける音楽」 を求める聴衆の期待に応えていました．

当時の著名な支持者

フリードリヒ大王（エマヌエル・バッハが宮廷楽士として仕えた）
音楽評論家 ヨハン・ニコラウス・フォルケル （「バッハ家の音楽の中でも最高の作曲家の一人」と評した）
モーツァルト（「彼の曲を聴かずに作曲法を学ぶ者は愚かだ」と語ったとされる）
ハイドン（エマヌエル・バッハの影響を受けて作曲）

特に クラヴィコードによる演奏 では，エマヌエル・バッハの細かいダイナミクスや装飾音が最大限に活かされ，独特の表現力を持っていました．これは，当時の 貴族や知識人 にとって新鮮で洗練された音楽として受け入れられました．

2. 18世紀にはまだ「調性の固定観念」が確立されていなかった

18世紀は転調や変異音を積極的に取り入れる過渡期の時代だった

バロック音楽（J.S. バッハ，ヘンデルなど）は，まだ 古い旋法的な発想を残しながらも，機能和声が発展 していく時期でした．
一方，古典派（ハイドン，モーツァルト）の時代になると，明確な主調・属調の対比を重視する構造 へと変化しました．

この間に位置するエマヌエル・バッハは，調性の枠にとらわれない自由な転調を多用し，聴衆に驚きを与えることを意図していた のです．当時の耳にはむしろ「新しい，感情的な音楽」として魅力的に響いた可能性が高いです．

しかし，現在のリスナーは 「クラシック音楽＝モーツァルトやベートーヴェンのような明確な調性を持つ音楽」 という意識が強く，エマヌエル・バッハの音楽が持つ 流動的な調性感や予測不能な展開 を捉えにくいかもしれません．

3. 「ソナタ形式の完成前」という時代的な背景

エマヌエル・バッハの時代は 「ソナタ形式」 がまだ確立されていなかったため，聴衆は今ほど明確な主題展開を期待していませんでした．
そのため，エマヌエル・バッハのように 即興的で劇的な転調 を多用する作曲スタイルでも「異質」には感じられなかったと考えられます．

ところが，ハイドンやモーツァルトによって ソナタ形式が洗練され，主調の安定感や明快な展開が標準化 されると，エマヌエル・バッハの音楽は逆に「落ち着かない」「予測不能すぎる」と感じられるようになり，19世紀にはほとんど演奏されなくなりました．

4. 現在，受け入れられにくい理由

現代では，エマヌエル・バッハの音楽が一般に受け入れられにくいのは，以下のような理由が挙げられます．

モーツァルト・ベートーヴェンの影響が強すぎる
- クラシック音楽の標準的な枠組みとして 明確なソナタ形式・調性の安定性 が広く認識されている．
- そのため，エマヌエル・バッハの即興的で予測不能な展開が「異質」に感じられる．
クラヴィコードの演奏習慣が廃れた
- クラヴィコードでの繊細な表現が，現代のピアノでは十分に再現できない．
- ピアノで演奏すると，エマヌエル・バッハの音楽の表情が単調に聞こえることがある．
現代の「前衛音楽」とは異なる
- 20世紀の無調音楽は「調性の完全な否定」だが，エマヌエル・バッハは「調性を拡張」していた．
- そのため，無調音楽に慣れたリスナーでも「古典派とも現代音楽とも違う」と感じてしまい，馴染みにくい．

結論

エマヌエル・バッハが生存時に広く受け入れられたのは，彼の音楽が18世紀の聴衆の感性や時代の流れに合っていたから です．

多感様式 の時代には，彼の即興的な表現や転調の多さが「新しく，魅力的」に感じられた．
調性の固定観念がまだ発展途中 だったため，彼の音楽の変異音や転調が自然に受け入れられた．
ソナタ形式がまだ確立していなかった ため，彼の「予測不能な展開」が「普通の音楽」として楽しめた．

しかし，19世紀以降の音楽の標準化（調性の安定・明確なソナタ形式）によって，エマヌエル・バッハの音楽は「落ち着かない，異質な音楽」と見なされるようになり，忘れられていったというのが現在の状況です．

近年では，古楽器の演奏や研究の進展によって再評価が進んでおり，特に クラヴィコードやフォルテピアノで演奏された場合，エマヌエル・バッハの音楽が本来持つ繊細な表現がより伝わりやすい ことがわかってきています．

ChatGPT4o にききました: 「「20世紀の無調音楽は「調性の完全な否定」」と書いていますが，もともと無調音楽をはじめたシェーンベルクは調性を拡張したすえの無調だったはずです．」

おっしゃるとおり，シェーンベルクの無調音楽は「調性の拡張」の結果として生まれたものであり，最初から調性を否定したものではない というのは重要な視点です．

1. シェーンベルクの無調音楽：調性の拡張からの発展

シェーンベルクの初期の作風（1880年代〜1908年頃）は，ワーグナーやマーラーの影響を受けつつ，従来の機能和声を拡張したものでした．特に 《浄められた夜》Op. 4（1899） や 《ペレアスとメリザンド》Op. 5（1902–03） のような作品では，和声的には非常に複雑でありながらも，まだ調性は存在しています．

しかし，《弦楽四重奏曲第2番》Op. 10（1908）や 《期待》Op. 17（1909） のあたりで，もはや伝統的な調性による統一感を保つことが難しくなり，「無調」 という状態に突入しました．

つまり，シェーンベルクは 「調性を否定した」のではなく，「調性の枠を超えた結果，もはや従来の調性が機能しなくなった」 という形で無調へ移行したわけです．

2. エマヌエル・バッハとシェーンベルクの「調性の拡張」

エマヌエル・バッハとシェーンベルクの音楽は時代も背景も違いますが，「調性の枠を広げようとした結果，新しい響きに至った」という点では共通点があります．

(1) エマヌエル・バッハの調性の拡張

エマヌエル・バッハは，バロックの機能和声を拡張し，調性感をより流動的にした．
特に 突然の転調や変異音の使用 により，明確な主調に縛られない音楽を作り上げた（例：ヴュルテンベルク・ソナタやプロイセン・ソナタ）．
しかし，完全に調性を崩壊させることはなく，彼の音楽は 常に「ある調性の枠内での自由な変化」 にとどまった．

(2) シェーンベルクの調性の拡張

シェーンベルクは，ロマン派の和声をさらに拡張し，不協和音や遠隔調の転調を極限まで推し進めた．
その結果，従来の 「機能和声に基づいた調性感」 が機能しなくなり，無調状態に至った（1908年以降）．
ただし，これは 「調性の否定」ではなく，「調性が機能しなくなった結果」 であり，シェーンベルク自身は 新しい調性の可能性 を模索していました．

3. 無調音楽の受容の違い

エマヌエル・バッハは 調性を拡張しながらも維持した のに対し，シェーンベルクは結果的に調性を超えてしまった点で決定的な違いがあります．
そのため，シェーンベルクの無調音楽は 「それまでの調性音楽とは完全に異なるもの」として認識され，受け入れられにくくなった のです．

また，エマヌエル・バッハの音楽は 「古典派の基準」で評価されると落ち着かないと感じられる ため，19世紀以降は忘れられがちになりました．一方で，シェーンベルクの音楽は 「完全な無調音楽として新しいジャンル」として捉えられたため，実験的な音楽として一部の層には受け入れられた という違いもあります．

4. 結論

シェーンベルクの無調音楽は，確かに 調性を拡張した結果として生まれたものであり，最初から調性を否定するためのものではなかった というのは正しい指摘です．

エマヌエル・バッハもまた，調性を拡張しながらも「調性の外」に完全に出ることはなかったため，後世のクラシック音楽の基準から外れてしまい，評価が低くなったという点で似た運命をたどっています．

結局のところ，調性を拡張した音楽が広く受け入れられるかどうかは，その時代の聴衆の「耳の慣れ」に大きく依存している ということが言えるでしょう．

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