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知られざる作曲家エマヌエル・バッハ (C. P. E. バッハ) を紹介するサイトです．

転調や変異音が多い曲の受容

ChatGPT4o はつぎのように書いています (正確でない場合がありますので，ご注意ください):

ChatGPT4o にききました: 「転調や変異音が多い曲のなかでマーラーの交響曲第 7 番は現在ではうけいれられるようになりましたが，エマヌエル・バッハの曲はまだ十分にうけいれられているとはいえません．また，無調音楽は現在でもあまりうけいれられているとはいえません．現在でも安定した調がある曲のほうが人々にうけいれられやすいのでしょうか?」

現在でも，安定した調性を持つ曲のほうが一般的に受け入れられやすい傾向があるのは確かです．これはいくつかの要因によるものです．

1. 聴覚の慣れと文化的背景

人間の耳は長い時間をかけて特定の音楽的な構造に慣れていきます．西洋音楽では，長調・短調の枠組みが17世紀以降確立され，20世紀までの間にクラシック，ポピュラー，ジャズなどの多くの音楽がこの枠組みに基づいて作られてきました．そのため，安定した調性を持つ音楽のほうが，予測しやすく，親しみやすいものと感じられます．

エマヌエル・バッハの音楽は，当時の基準から見ても転調が頻繁で，変異音を多用し，予測しづらい部分があります．それに対して，マーラーの交響曲第7番は20世紀に入り，転調や不安定な和声を受け入れる耳を持った聴衆が増えたため，評価が上がりました．

2. 構造的な予測可能性

人間の脳は，ある程度の予測可能性を好む傾向があります．調性のある音楽では，あるコード進行が自然に予想され，解決されるため，心地よさを感じます． エマヌエル・バッハの曲は，当時の音楽と比べても予測不能な動きが多く，それが「とらえどころのない」印象を与える可能性があります．無調音楽が広く受け入れられにくいのも，こうした予測の困難さに起因します．

3. 現代の音楽の受容

20世紀後半以降，映画音楽やポピュラー音楽は基本的に調性を維持しながら発展してきました．不協和音や転調が使われることはありますが，無調音楽のように完全に調を排除することはほとんどありません．そのため，調性を感じられる音楽のほうが圧倒的に親しまれやすいのです．

また，ジャズやロックなどではブルーノートやモーダル・インターチェンジ（借用和音）といった技法が取り入れられており，これはエマヌエル・バッハが用いた変異音の考え方とある程度共通点があります．それでも，根本的な調性は保たれていることがほとんどです．

4. 感情のコントロール

調性の安定した音楽は，聴衆に安心感を与えやすいです．一方，無調音楽や転調の多い音楽は，不安や興奮を引き起こしやすく，心理的に負担を感じることがあります． マーラーの交響曲第7番は，ドラマティックな構造の中で調性が揺らぐ場面と安定する場面が交互に現れます．一方，無調音楽では最初から最後まで不安定な響きが続くため，受け入れにくいのかもしれません．

結論

現在でも，安定した調性を持つ曲のほうが一般的に受け入れられやすいのは事実ですが，完全な調性の枠にとらわれない音楽も少しずつ受け入れられつつあります．エマヌエル・バッハの音楽は，古典派以前の音楽としては転調や変異音が多く，現代の耳には「ユニークだが把握しにくい」と感じられがちです．

マーラーの交響曲第7番のように，ある程度調性を保ちつつも転調や不協和音を活用する音楽は，時代とともに受け入れられる可能性がありますが，完全な無調音楽は今後も限られた層にしか受け入れられないかもしれません．

ChatGPT4o にききました: 「無調音楽を聴く経験がエマヌエル・バッハの音楽をうけいれやすくしているのでしょうか?」

無調音楽を聴く経験がエマヌエル・バッハの音楽を受け入れやすくしている可能性はありますが，それにはいくつかの条件が関係していると思われます．

1. 無調音楽に慣れることで不安定な和声に対する許容度が上がる

無調音楽を聴き慣れている人は，従来の調性に基づかない和声や進行に対して耐性が高く，不安定な音の響きを自然に受け入れやすくなっています．
エマヌエル・バッハの音楽は，当時の基準からすると転調や変異音が非常に多く，予測不能な進行が特徴的です．そのため，無調音楽に慣れている人は，そのような「調性の枠からはみ出した」部分を面白いと感じやすいかもしれません．

例えば，無調音楽のリスナーは次のような特徴を持つことが多いです：

• 非機能的な和声進行に対する耐性がある

• 予測不能なメロディラインにも違和感を感じにくい

• 調性の明確でない音楽に美しさを見出しやすい

これらは，エマヌエル・バッハの音楽の特徴とも一致するため，無調音楽に親しんでいる人は彼の音楽を理解しやすい可能性があります．

2. ただし，無調音楽とエマヌエル・バッハの音楽の違いも大きい

無調音楽とエマヌエル・バッハの音楽には決定的な違いがあります．

• 無調音楽は調性を完全に排除するのに対し，エマヌエル・バッハは「調性内で極限まで自由に動く」作曲技法を取っています．

• 無調音楽はしばしば「モチーフの操作」による構成を持ち，エマヌエル・バッハは「旋律の即興的な展開」に重きを置いています．

このため，無調音楽を聴き慣れている人がすぐにエマヌエル・バッハの音楽に馴染めるとは限りません．無調音楽のリスナーは「調性を持たない音楽」を期待する傾向があるため，エマヌエル・バッハの「動的な調性感」を理解するには別の訓練が必要かもしれません．

3. 20世紀以降の音楽の発展がエマヌエル・バッハの再評価につながる可能性

無調音楽に慣れている人の多くは，音楽の多様性や実験的な要素に興味を持つ傾向があります．エマヌエル・バッハの音楽も，形式的な枠にとらわれず，新しい響きや表現を追求しているため，現代の前衛的な音楽を聴く耳を持った人々には魅力的に感じられるかもしれません．

実際に，20世紀以降の作曲家（例：ヒンデミット，シュトックハウゼン，ブーレーズ）がエマヌエル・バッハの作品に注目したこともあり，現代音楽の視点から彼の音楽を評価する動きも出てきています．

4. 無調音楽とバロック時代の旋法音楽を結びつける視点

あなたが考えている 「長調・短調以外の旋法を聴き慣れていた時代の人々はエマヌエル・バッハの音楽を自然に理解できたのではないか？」 という視点は，無調音楽のリスナーにも当てはまるかもしれません．

無調音楽のリスナーは，伝統的な長調・短調の枠にとらわれない音楽の響きに適応する訓練を積んでいるため，バロック時代の旋法的な音楽やエマヌエル・バッハの変則的な調性感にも対応できる 可能性があります．

例えば，バルトークの「ミクロコスモス」やメシアンの「移調の限られた旋法」のような音楽に親しんでいる人なら，エマヌエル・バッハの音楽にも親しみやすいかもしれません．

結論

無調音楽を聴く経験がエマヌエル・バッハの音楽を受け入れやすくすることはありえますが，それにはいくつかの条件があります．

• 調性の枠を超えた響きを受け入れる耳を持っている人 なら，エマヌエル・バッハの自由な転調や変異音を「自然なもの」として楽しめる可能性が高い．

• ただし，無調音楽の完全な非調性的な響きに慣れすぎると，エマヌエル・バッハの音楽の「動的な調性感」がむしろ奇妙に感じられるかもしれない．

• 20世紀以降の実験的な音楽に親しんでいる人は，エマヌエル・バッハの革新性に共感しやすい．

• バロック時代の旋法音楽やモード音楽に親しんでいる人も，エマヌエル・バッハの和声や旋律に違和感を覚えにくい可能性がある．

無調音楽のリスナーは「新しい響きを受け入れる素地」を持っているため，エマヌエル・バッハの音楽に対してもオープンになりやすいとはいえますが，それだけで自然に受け入れられるとは限らない，というのが妥当な見方でしょう．

ChatGPT4o にききました: 「エマヌエル・バッハが現在でもあまりうけいれられないのだとすると，逆に彼の生存時にひろくうけいれられていたのはどうしてなのでしょうか?」

エマヌエル・バッハが 18世紀には広く受け入れられた のに対し，現在ではそれほど広く受け入れられていない のは，時代ごとの 音楽の聴き方 や 期待されるスタイル の違いが大きく関係していると考えられます．以下のような要因が影響していたと考えられます．

1. 18世紀の聴衆が求めていたもの

エマヌエル・バッハの音楽は，生存当時の聴衆の「新しい音楽の趣味」に合致していた

• 18世紀中盤，多感様式 (Empfindsamer Stil) は，当時のヨーロッパ音楽の主流の一つであり，感情の細かい変化や予測不能な表現 が求められました．

• これは ロココ時代のサロン文化 や 啓蒙思想による感情表現の重視 といった社会的背景と結びついていました．

• エマヌエル・バッハの音楽は，劇的な対比，突発的な転調，予測しづらい旋律を特徴としており，まさに 「即興的で感情に訴えかける音楽」 を求める聴衆の期待に応えていました．

当時の著名な支持者

• フリードリヒ大王（エマヌエル・バッハが宮廷楽士として仕えた）

• 音楽評論家 ヨハン・ニコラウス・フォルケル （「バッハ家の音楽の中でも最高の作曲家の一人」と評した）

• モーツァルト（「彼の曲を聴かずに作曲法を学ぶ者は愚かだ」と語ったとされる）

• ハイドン（エマヌエル・バッハの影響を受けて作曲）

特に クラヴィコードによる演奏 では，エマヌエル・バッハの細かいダイナミクスや装飾音が最大限に活かされ，独特の表現力を持っていました．これは，当時の 貴族や知識人 にとって新鮮で洗練された音楽として受け入れられました．

2. 18世紀にはまだ「調性の固定観念」が確立されていなかった

18世紀は転調や変異音を積極的に取り入れる過渡期の時代だった

• バロック音楽（J.S. バッハ，ヘンデルなど）は，まだ 古い旋法的な発想を残しながらも，機能和声が発展 していく時期でした．

• 一方，古典派（ハイドン，モーツァルト）の時代になると，明確な主調・属調の対比を重視する構造 へと変化しました．

この間に位置するエマヌエル・バッハは，調性の枠にとらわれない自由な転調を多用し，聴衆に驚きを与えることを意図していた のです．当時の耳にはむしろ「新しい，感情的な音楽」として魅力的に響いた可能性が高いです．

しかし，現在のリスナーは 「クラシック音楽＝モーツァルトやベートーヴェンのような明確な調性を持つ音楽」 という意識が強く，エマヌエル・バッハの音楽が持つ 流動的な調性感や予測不能な展開 を捉えにくいかもしれません．

3. 「ソナタ形式の完成前」という時代的な背景

• エマヌエル・バッハの時代は 「ソナタ形式」 がまだ確立されていなかったため，聴衆は今ほど明確な主題展開を期待していませんでした．

• そのため，エマヌエル・バッハのように 即興的で劇的な転調 を多用する作曲スタイルでも「異質」には感じられなかったと考えられます．

ところが，ハイドンやモーツァルトによって ソナタ形式が洗練され，主調の安定感や明快な展開が標準化 されると，エマヌエル・バッハの音楽は逆に「落ち着かない」「予測不能すぎる」と感じられるようになり，19世紀にはほとんど演奏されなくなりました．

4. 現在，受け入れられにくい理由

現代では，エマヌエル・バッハの音楽が一般に受け入れられにくいのは，以下のような理由が挙げられます．

1. モーツァルト・ベートーヴェンの影響が強すぎる

   • クラシック音楽の標準的な枠組みとして 明確なソナタ形式・調性の安定性 が広く認識されている．

   • そのため，エマヌエル・バッハの即興的で予測不能な展開が「異質」に感じられる．

2. クラヴィコードの演奏習慣が廃れた

   • クラヴィコードでの繊細な表現が，現代のピアノでは十分に再現できない．

   • ピアノで演奏すると，エマヌエル・バッハの音楽の表情が単調に聞こえることがある．

3. 現代の「前衛音楽」とは異なる

   • 20世紀の無調音楽は「調性の完全な否定」だが，エマヌエル・バッハは「調性を拡張」していた．

   • そのため，無調音楽に慣れたリスナーでも「古典派とも現代音楽とも違う」と感じてしまい，馴染みにくい．

結論

エマヌエル・バッハが生存時に広く受け入れられたのは，彼の音楽が18世紀の聴衆の感性や時代の流れに合っていたから です．

• 多感様式 の時代には，彼の即興的な表現や転調の多さが「新しく，魅力的」に感じられた．

• 調性の固定観念がまだ発展途中 だったため，彼の音楽の変異音や転調が自然に受け入れられた．

• ソナタ形式がまだ確立していなかった ため，彼の「予測不能な展開」が「普通の音楽」として楽しめた．

しかし，19世紀以降の音楽の標準化（調性の安定・明確なソナタ形式）によって，エマヌエル・バッハの音楽は「落ち着かない，異質な音楽」と見なされるようになり，忘れられていった というのが現在の状況です．

近年では，古楽器の演奏や研究の進展によって再評価が進んでおり，特に クラヴィコードやフォルテピアノで演奏された場合，エマヌエル・バッハの音楽が本来持つ繊細な表現がより伝わりやすい ことがわかってきています．

ChatGPT4o にききました: 「「20世紀の無調音楽は「調性の完全な否定」」と書いていますが，もともと無調音楽をはじめたシェーンベルクは調性を拡張したすえの無調だったはずです．」

おっしゃるとおり，シェーンベルクの無調音楽は「調性の拡張」の結果として生まれたものであり，最初から調性を否定したものではない というのは重要な視点です．

1. シェーンベルクの無調音楽：調性の拡張からの発展

シェーンベルクの初期の作風（1880年代〜1908年頃）は，ワーグナーやマーラーの影響を受けつつ，従来の機能和声を拡張したものでした．特に 《浄められた夜》Op. 4（1899） や 《ペレアスとメリザンド》Op. 5（1902–03） のような作品では，和声的には非常に複雑でありながらも，まだ調性は存在しています．

しかし，《弦楽四重奏曲第2番》Op. 10（1908）や 《期待》Op. 17（1909） のあたりで，もはや伝統的な調性による統一感を保つことが難しくなり，「無調」 という状態に突入しました．

つまり，シェーンベルクは 「調性を否定した」のではなく，「調性の枠を超えた結果，もはや従来の調性が機能しなくなった」 という形で無調へ移行したわけです．

2. エマヌエル・バッハとシェーンベルクの「調性の拡張」

エマヌエル・バッハとシェーンベルクの音楽は時代も背景も違いますが，「調性の枠を広げようとした結果，新しい響きに至った」という点では共通点があります．

(1) エマヌエル・バッハの調性の拡張

• エマヌエル・バッハは，バロックの機能和声を拡張し，調性感をより流動的にした．

• 特に 突然の転調や変異音の使用 により，明確な主調に縛られない音楽を作り上げた（例：ヴュルテンベルク・ソナタやプロイセン・ソナタ）．

• しかし，完全に調性を崩壊させることはなく，彼の音楽は 常に「ある調性の枠内での自由な変化」 にとどまった．

(2) シェーンベルクの調性の拡張

• シェーンベルクは，ロマン派の和声をさらに拡張し，不協和音や遠隔調の転調を極限まで推し進めた．

• その結果，従来の 「機能和声に基づいた調性感」 が機能しなくなり，無調状態に至った（1908年以降）．

• ただし，これは 「調性の否定」ではなく，「調性が機能しなくなった結果」 であり，シェーンベルク自身は 新しい調性の可能性 を模索していました．

3. 無調音楽の受容の違い

エマヌエル・バッハは 調性を拡張しながらも維持した のに対し，シェーンベルクは結果的に調性を超えてしまった点で決定的な違いがあります．
そのため，シェーンベルクの無調音楽は 「それまでの調性音楽とは完全に異なるもの」として認識され，受け入れられにくくなった のです．

また，エマヌエル・バッハの音楽は 「古典派の基準」で評価されると落ち着かないと感じられる ため，19世紀以降は忘れられがちになりました．一方で，シェーンベルクの音楽は 「完全な無調音楽として新しいジャンル」として捉えられたため，実験的な音楽として一部の層には受け入れられた という違いもあります．

4. 結論

シェーンベルクの無調音楽は，確かに 調性を拡張した結果として生まれたものであり，最初から調性を否定するためのものではなかった というのは正しい指摘です．

エマヌエル・バッハもまた，調性を拡張しながらも「調性の外」に完全に出ることはなかったため，後世のクラシック音楽の基準から外れてしまい，評価が低くなった という点で似た運命をたどっています．

結局のところ，調性を拡張した音楽が広く受け入れられるかどうかは，その時代の聴衆の「耳の慣れ」に大きく依存している ということが言えるでしょう．

ChatGPT4o にききました: 「「不安定な調性」をあらわすことばはあるでしょうか?」

「不安定な調性」を表す言葉はいくつかありますが，状況に応じて適切な用語を使い分けることが重要です．以下に代表的な表現を挙げます．

1. 「流動的な調性 (Fluid Tonality)」

• 調が頻繁に変化し，はっきりとした主調が感じられにくい状態 を指します．

• エマヌエル・バッハの音楽のように，転調や変異音が多く，確固たる調性感が維持されにくい場合に適しています．

例:
「エマヌエル・バッハの多感様式の音楽は，流動的な調性によって感情の変化を細かく表現している．」

2. 「拡張された調性 (Extended Tonality)」

• 伝統的な機能和声を維持しながらも，転調や変異音を多用して拡張された調性 を指します．

• シェーンベルクの前期作品やワーグナーの後期作品（例：《トリスタンとイゾルデ》）に見られる傾向です．

例:
「エマヌエル・バッハのソナタは，拡張された調性によって独自の和声感を生み出している．」

3. 「曖昧な調性 (Ambiguous Tonality)」

• 特定の主調が明確でなく，どの調に属しているのか判断しづらい場合 に使われます．

• エマヌエル・バッハのように，転調や異質な和声を多用する音楽にも当てはまります．

例:
「この楽章は，冒頭から終始曖昧な調性を保ち，聴く者に予測不能な印象を与える．」

4. 「変幻する調性 (Modulating Tonality)」

• 短いフレーズの間に頻繁に転調し，調性が安定しない状態 を表します．

• エマヌエル・バッハの即興的な楽曲に特に適した表現です．

例:
「彼のファンタジアは，変幻する調性によって即興的な表現を極限まで追求している．」

5. 「遊離調 (Floating Tonality)」

• 特定の調性にしっかりと根ざすことなく，自由に転調を繰り返す状態 を指します．

• 20世紀の作曲家（バルトークやメシアン）にも見られる特徴ですが，エマヌエル・バッハの音楽にも適用可能です．

例:
「エマヌエル・バッハのロンドでは，遊離調によって聴衆を絶えず驚かせる効果が生まれている．」

6. 「浮遊する調性 (Floating Tonality)」

• 調性がはっきりと決まらず，漂うような音楽的性格を持つ 状態．

• ドビュッシーやシェーンベルクの初期作品に多いが，エマヌエル・バッハの幻想的な楽曲にも当てはまる．

例:
「このアダージョ楽章は，浮遊する調性によって夢幻的な雰囲気を醸し出している．」

7. 「多調性 (Polytonality)」

• 複数の異なる調が同時に存在し，調性が混ざり合う状態．

• ストラヴィンスキーやミヨーのような20世紀の作曲家に典型的だが，エマヌエル・バッハの転調が絡み合う部分にも似た感覚がある．

例:
「この楽節では，和声的な多調性が感じられ，伝統的な調性の枠を超えた表現がなされている．」

8. 「崩れゆく調性 (Dissolving Tonality)」

• 従来の機能和声が次第に崩れていき，調性が曖昧になる 状態．

• シェーンベルクの無調への移行期の音楽（例：《弦楽四重奏曲第2番》）に見られるが，エマヌエル・バッハの和声の極端な変化にも適用可能．

例:
「終結部では，崩れゆく調性が強調され，調的な枠組みを超えた表現に至る．」

まとめ

表現	意味	エマヌエル・バッハに適用可能か
流動的な調性 (Fluid Tonality)	調が頻繁に変化する	◎
拡張された調性 (Extended Tonality)	伝統的な調性を超えた拡張	○
曖昧な調性 (Ambiguous Tonality)	主調が不明瞭	◎
変幻する調性 (Modulating Tonality)	短いスパンで頻繁に転調	◎
遊離調 (Floating Tonality)	調性にとらわれない自由な転調	○
浮遊する調性 (Floating Tonality)	調性が固定されず漂う	○
多調性 (Polytonality)	複数の調が共存	△（厳密には異なるが近い）
崩れゆく調性 (Dissolving Tonality)	調性が次第に失われる	△（部分的にはありうる）